A GENTLE COLLAPSE

I don’t much care where so long as I get somewhere

 

Zoë Pelikan | Matteo Silverii | Dorottya Vékony | Flora Villaumié

 

a cura di Marta Ferrara

“Mi diresti, per favore, che strada dovrei prendere da qui?”

“Dipende molto da dove vuoi arrivare”, disse il Gatto.

“Non mi interessa molto dove…” disse Alice.

“Allora non importa che strada prendi”, disse il Gatto.

“…purché io arrivi DA QUALCHE PARTE”, aggiunse Alice come spiegazione.

“Oh, lo farai sicuramente”, disse il Gatto, “se solo cammini abbastanza a lungo.”

(Lewis Carrol, Alice nel Paese delle Meraviglie, capitolo VI: Maiale e Pepe)

concept

 

Il titolo della mostra prende in prestito una parafrasi da Alice nel Paese delle Meraviglie: una frase che non indica una direzione, ma uno stato di attraversamento. Non importa dove si arrivi, purché il movimento avvenga.

La mostra si muove in questo spazio instabile, dove l’assurdo, il distorto e l’impossibile non appartengono a un altrove fantastico, ma si insinuano dolcemente nel quotidiano. Le opere in mostra rivelano la loro stranezza con lentezza, in un dettaglio che improvvisamente non torna.

Come nel mondo di Alice, ciò che appare giocoso o surreale porta con sé una sottile crudeltà: regole arbitrarie, proporzioni che cambiano, certezze che collassano senza preavviso. È un universo in cui l’assurdo è uno strumento per osservare la realtà da una prospettiva obliqua, senza possibilità di evasione.

A Gentle Collapse è il momento in cui le strutture familiari si incrinano con grazia. Un crollo non violento, quasi elegante, che apre a nuove possibilità di senso. Le opere abitano questa soglia: tra controllo e perdita, tra logica e sogno, tra ciò che riconosciamo e ciò che ci destabilizza.

Il riferimento ad Alice non è dichiarato nel titolo, ma attraversa l’intero progetto come una corrente sotterranea: un invito a perdersi senza panico, ad accettare l’incoerenza come parte del percorso, a continuare a muoversi anche quando la direzione non è chiara.

Sulle opere

Dorottya Vékony (Budapest, 1985) indaga i confini tra corpo biologico e corpo sociale. In Extended Blooming, attraverso una serie di “ritratti di piante hackerate”, immagina fiori geneticamente modificati per risultare più attraenti ai loro impollinatori, generando un’estetica che oscilla tra seduzione e inquietudine. Il progetto prende avvio dalla crisi dell’impollinazione, causata dal declino degli insetti, dalle monocolture e dall’uso intensivo di pesticidi, per aprirsi a una riflessione più ampia sul concetto di fertilità in un mondo alterato dall’azione umana. Il tema della riproduzione come spazio politico e simbolico, già centrale nel suo interesse per i diritti riproduttivi, si sposta qui dal corpo umano a quello vegetale.

A questo sguardo sul vivente e sulle sue trasformazioni risponde la pittura di Matteo Silverii (Napoli, 1994), che costruisce immagini come si costruiscono spazi: con rigore e tensione emotiva. La sua pratica ruota attorno all’archivio come strategia affettiva: disegnare e dipingere ossessivamente lo stesso soggetto diventa un gesto di resistenza alla velocità con cui le immagini scompaiono nella vita contemporanea. In Hyésouhyiòs, paesaggi acidi e frammentati appaiono come immagini catturate di scatto, quasi glitchate, sospese tra pittura e astrazione. Non descrivono un luogo ma suggeriscono uno stato. Nelle Figurines, oggetti trovati — statuette, souvenir, cianfrusaglie da mercatino — vengono sottratti al loro contesto: la scala alterata e la familiarità perturbante di queste piccole figure generano un cortocircuito tra il riconoscibile e l’assurdo.

Anche Flora Villaumié (Parigi, 1999) lavora sulla superficie tranquilla delle cose per rivelarne le tensioni nascoste. La sua pratica si concentra sull’incisione e sull’immagine stampata, con cui costruisce paesaggi antropici apparentemente calmi che, nei dettagli, si rivelano attraversati da violenza latente, ironia e critica sociale. I suoi soggetti sono gli spazi e i rituali della vita contemporanea — il night shop aperto all’alba, gli oggetti abbandonati sul marciapiede, i piccoli gesti di resistenza e sopravvivenza — osservati con uno sguardo che sa trovare il prezioso nel residuale, il tragico nel quotidiano. Nelle sue opere, personaggi in abiti seicenteschi si misurano con le dinamiche del capitalismo e del potere; bottiglie di birra economica e accendini diventano nature morte di una democrazia in declino. Ogni segno inciso trasforma frammenti di realtà urbana in scenari meditativi e perturbanti, sospesi tra il grossolano e il delicato, tra la contemplazione e la critica.

È in questo stesso territorio di distanza e desiderio insoddisfatto che si muove Zoë Pelikan (Vienna, 1996) con la sua installazione performativa Out of touch, indagine sull’impossibilità di soddisfare reciprocamente bisogni ed esigenze. Pelikan costruisce un set di tazze e recipienti in terracotta in cui il gesto quotidiano del bere il caffè diventa impossibile: il liquido si disperde, l’incontro fallisce, e le tazze macchiate restano come tracce tangibili di una distanza incolmabile. Pelikan lavora con materiali tattili e arcaici — legno, rame, argilla, cera d’api, carta — per rendere visibile ciò che di solito non lo è: le distanze emotive e il desiderio insoddisfatto che accompagna le relazioni umane.

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A GENTLE COLLAPSE

I don’t much care where so long as I get somewhere

 

Zoë Pelikan | Matteo Silverii | Dorottya Vékony | Flora Villaumié

 

Curated by Marta Ferrara

“Would you tell me, please, which way I ought to go from here?‍”

“‍That depends a good deal on where you want to get to,‍” said the Cat.

“‍I don’t much care where…” said Alice.

“‍Then it doesn’t matter which way you go,‍” said the Cat.

“‍… So long as I get SOMEWHERE,‍” Alice added as an explanation.

“‍Oh, you’re sure to do that,‍” said the Cat, “‍if you only walk long enough.‍”

(Lewis Carrol, Alice in the Wonderland, Chapter VI: Pig and Pepper).

The exhibition’s title borrows a paraphrase from Alice in Wonderland: a phrase that doesn’t indicate a direction, but a state of transition. It doesn’t matter where you end up, as long as the movement occurs.

The exhibition unfolds in this unstable space, where the absurd, the distorted, and the impossible do not belong to a fantastical elsewhere, but gently insinuate themselves into the everyday. The works on display reveal their strangeness slowly, in a detail that suddenly doesn’t add up.

As in Alice’s world, what appears playful or surreal carries with it a subtle cruelty: arbitrary rules, shifting proportions, certainties that collapse without warning. It’s a universe where the absurd is a tool for observing reality from an oblique perspective, with no possibility of escape.

A Gentle Collapse is the moment when familiar structures gracefully crumble. A non-violent, almost elegant collapse that opens up new possibilities of meaning. The works inhabit this threshold: between control and loss, between logic and dream, between what we recognize and what destabilizes us.

The reference to Alice is not stated in the title, but it runs through the entire project like an undercurrent: an invitation to lose oneself without panic, to accept inconsistency as part of the journey, to keep moving even when the direction is unclear.

About the works

Dorottya Vékony (Budapest, 1985) explores the boundaries between the biological and social bodies. In Extended Blooming, through a series of “hacked plant portraits,” she imagines flowers genetically modified to be more attractive to their pollinators, generating an aesthetic that oscillates between seduction and disquiet. The project begins with the pollination crisis, caused by the decline of insects, monocultures, and the intensive use of pesticides, and opens up to a broader reflection on the concept of fertility in a world altered by human action. The theme of reproduction as a political and symbolic space, already central to her interest in reproductive rights, shifts here from the human body to the plant body.

The painting of Matteo Silverii (Naples, 1994) responds to this view of living things and their transformations, constructing images as he constructs spaces: with rigor and emotional tension. His practice revolves around the archive as an affective strategy: obsessively drawing and painting the same subject becomes a gesture of resistance to the speed with which images disappear in contemporary life. In Hyésouhyiòs, acidic and fragmented landscapes appear like snapshots, almost glitched, suspended between painting and abstraction. They do not describe a place but suggest a state. In Figurines, found objects—statuettes, souvenirs, flea market bric-a-brac—are removed from their context: the altered scale and uncanny familiarity of these small figures generate a short circuit between the recognizable and the absurd.

Flora Villaumié (Paris, 1999) also works on the calm surface of things to reveal their hidden tensions. Her practice focuses on engraving and printed images, with which she constructs seemingly quiet human landscapes that, in detail, reveal themselves to be permeated by latent violence, irony, and social criticism. Her subjects are the spaces and rituals of contemporary life—the night club open at dawn, objects abandoned on the sidewalk, small gestures of resistance and survival—observed with a gaze that finds the precious in the residual, the tragic in the everyday. In her works, figures in 17th-century dress grapple with the dynamics of capitalism and power; bottles of cheap beer and lighters become still lifes of a declining democracy. Each engraved mark transforms fragments of urban reality into meditative and disturbing scenarios, suspended between the crude and the delicate, between contemplation and criticism.

It is in this same land of distance and unfulfilled desire that Zoë Pelikan (Vienna, 1996) moves with her performative installation Out of Touch, an investigation into the impossibility of mutually satisfying needs and requirements. Pelikan constructs a set of terracotta cups and vessels in which the everyday act of drinking coffee becomes impossible: the liquid spills, the encounter fails, and the stained cups remain as tangible traces of an unbridgeable distance. Pelikan works with tactile and archaic materials—wood, copper, clay, beeswax, paper—to make visible what is usually invisible: the emotional distances and unfulfilled desire that accompany human relationships.